Hermandad en el Rock

Parte 2.

Genialidad y Sabiduría 

Los talentosos hermanos Winwood.

"Un hermano es un amigo dado por la naturaleza"
Jean Baptiste Legowe

Steve y Muff Winwood en 1967

Las relaciones entre hermanos, dentro del mundo de la música, no siempre han sido tan conflictivas como la de los Davies.

Contemporáneos de ellos, otro par de hermanos saltó a la fama haciendo lo que más les gustaba: buen rock and roll.

 Mervyn Winwood,  después llamado Muff , debido a cierto parecido con un personaje famoso de series para niños a mediados de los 50´s, llamado “La Mula Muffin”, había nacido el 15 de junio de 1943, y tenía un hermano menor,  de nombre Stephen Lawrence, a quien el mundo conocería años más tarde simplemente como  Steve Winwood. quien llegó al mundo el 12 de mayo de 1948.

Calles del centro de Birmingham, a inicios de los 60´s

En aquellos años, 1959 -1960 en Birmingham,  la familia Winwood vivía en una casa que se encontraba en la parte final de la ciudad. Una casa mitad de campo, mitad de suburbios por lo que la vida rural del campo inglés, influyó en las distracciones al aire libre y estilos musicales preferidos por los hermanos, los cuales se emparentaron casi naturalmente con los sonidos rurales del Blues, pero también con el vigor del R&B de Detroit, Chicago y Nashville, ciudades sumamente lejanas físicamente, pero entrañables para ellos gracias a los discos que gustaban escuchar de Buddy Holly, Fats Domino, Little Richard y el Elvis Británico , también de apellido Richard pero llamada Cliff.

A una edad muy temprana Steve empezó a dar muestras de su precocidad y virtuosismo musical pues su hermano Muff, un buen día lo descubrió tocando en el piano de su casa algunas melodías de Winifred Atwell, quien es considerada la Reina del Rag Time, y

Winifred Atwell

una de las pianistas más talentosas de los años 30´s y 40´s, cuya técnica y velocidad asombraban a propios y extraños. Pues bien, el chamaco Winwood, no desentonaba para nada con las interpretaciones profesionales de Atwell, por lo que pronto, el profesor de piano que le daba lecciones a Steve, decidió que era demasiado avezado para recibir clases tradicionales, por lo que dejó que el propio niño tomara su camino musical.

Fue así que los dedos inquietos de Steve Winwood empezaron a acompañar a su voz que retumbaba como la de un poseso pero no del demonio, sino más bien del espíritu de dolor y profundidad del alma negra, una alma que se encontraba a miles de kilómetros de Birminhamm, que llenaba otros espacios abiertos, los del profundo sur de Estados Unidos, y que repetían incansablemente a la tierra madre, África, su necesidad por reencontrar la unidad perdida.  La biblia musical con la cual crecieron y en la cual creyeron los hermanos Winwood incluía el evangelio predicado por Muddy Waters, John Lee Hooker, Memphis Slim y un largo etcétera bluesero.

Los años pasaron rápido, los hermanos se hicieron cómplices de aventuras sonoras, y pronto fueron a tocar junto con su padre, el cual era clarinetista y saxofonista en  la banda de Ron Atkinson. Steve apenas contaba con 8 años pero su bagaje musical ya incluía jazz, blues y el rock and roll primigenio de Inglaterra. Después participaron también junto a su padre en otra banda de jazz local, llamada Reg Aldis Band. 

 

Los hermanos Winwood junto a su padre (saxofonista) en la Banda de Reg Aldis, en 1957. 

Éstas agrupaciones de jazz les dieron su primer fogueo a los inquietos hermanitos Winwood, les enseñó a mantener el exigente compás sincopado, ser precisos y les desarrolló el oído para la improvisación. Su padre les permitía utilizar sus guitarras para tocar popurrís de rock and roll como números complementarios en cada presentación.  Muff recuerda que su hermano pequeño aún se presentaba en el escenario vistiendo los típicos pantalones cortos de un niño que crecía en los años 50´s.

Pronto se hicieron de un pequeño amplificador de 15 voltios y fundaron su primer grupo, llamado “Johnny Star and The Planets” siendo obviamente Muff el líder del mismo, con él tocando la batería y su hermano de 9 años en la guitarra.

Después se volvieron más jazzísticos y a principios de los 60´s cambian el nombre del grupo a “The Muff-Woody Jazz Band” .Es en éste punto de sus vidas cuando a principios  de 1963 los conoce Spencer Davis, quien por ése entonces tocaba en algunos pubs locales, al igual que los hermanos Winwood. Spencer ya más crecido y colmilludo invitó a los chicos Winwood a pertenecer a un grupo que estaba formando, en donde participaría un baterista de jazz llamado Pete York.  El grupo quedó conformado aunque en aquellos primeros años se conocían como “The Rhythm and Blues Quartette” .

Es así que Steve con 15 años de edad queda definitivamente contratado como el cantante y gran atracción del grupo debido a su juventud y a su poderosa voz con feeling negro, que hacía recordar al gran Ray Charles además de una tremenda habilidad en el piano del niño prodigio, que hacía recordar al virtuoso Oscar Peterson.

La relación de los hermanos se intensificó, haciéndose más profunda y solidaria. En aquellos años Muff seguía siendo el “protector” del pequeño Steve, aunque éste ya daba muestras de un carácter más rebelde, un alma libre que le urgía gritar sus composiciones propias, crear un estilo nuevo de musicalizar y cantar y por lo tanto, ser básicamente un chico sin ataduras.

Su primer canción de Steve la compuso a los 12 años, una tonada muy emparentada con el blues que por cierto se llamaba “It Hurts Me So” la cual años más tarde la grabaría con Spencer Davis Group.

En octubre de ese mismo año de Beatlemania, 1963, Steve conoce al que sería su gran amor y con el cual formaría uno de los dúos más impactantes y perennes en la historia del rock, y no hablo de una mujer (ni de un hombre), sino del órgano Hammond B3, instrumento de cabecera en aquel entonces dentro del mundo del jazz, y el cual le ayudó a proyectar su fiereza vocal y su virtuosismo como tecladista.

Todo se acomodó para los músicos durante los siguientes dos años. De 1963 a 1965 no habían podido grabar en una disquera por diversas razones, competencia fiera, mala suerte, o la escases de un estilo propio. Pero todo cambió cuando el joven empresario disquero llamado Chris Blackwell fundador de Island Records los escuchó en  los clubes de Birmingham y les ofreció un contrato para grabar con Fontana, un subsello de la poderosa Philipps Records, que él utilizaba para distribuir grabaciones de cantantes de Ska y ritmos de Jamaica.

Blackwell ya había tenido un gran éxito con una cantante también adolescente de nombre Millie Small , la cual colocó la canción “My Boy Lollipop” en los primeros lugares en 1964.

Blackwell había crecido en Jamaica por lo que su bagaje musical era sobre todo el Ska. Se dio cuenta de que en Inglaterra había una creciente población inmigrante de la India y otras regiones del planeta a la que podrían interesar estos ritmos catalogados como “exóticos” en aquellos años. 

No se equivocó, por lo que su oído lo llevó a buscar más bandas a las que pudiera firmar y representar.

El sonido del grupo donde participaban los Winwood , junto con Spencer Davies y Pete York lo atrapó. Se quedó boquiabierto al escuchar cantar al adolescente Steve, y de inmediato les ofreció un contrato para Fontana Records.

Es en éste punto cuando se pone de manifiesto la todavía influencia decisiva y liderazgo compartido de Muff respecto a las decisiones en el grupo, pues fue el mayor de los hermanos, el cual nombró a la agrupación como “The Spencer Davies Group”, desechando las ideas de Blackwell por llamarlos  “The Vipers” o “The Crawling Snakes” . 

El nombre del flamante nuevo grupo firmado para Fontana fue el resultado de la comodidad y privacidad que quería mantener Muff para él y para su pequeño hermano. En palabras del propio Muff Winwood : “Al comprobar que nosotros podríamos quedarnos plácidamente en casa, viendo T.V mientras Spencer Davis salía a dar entrevistas, ya que era el único miembro del grupo que disfrutaba el lidiar con la prensa, le propuse el nombre al resto de la banda y después a Blackwell, quien por ese entonces tenía mayor contacto con Spencer, por lo que todo mundo aceptó”

El primer sencillo prensado por Fontana fue "Dimples" original de John Lee Hooker, lanzado a finales de 1964.

Pero Muff no solamente era la figura tutelar para Seteve.

En los dos éxitos más sonados del grupo “Keep on Running” y “Gimme Some Lovin” grabados en 1965 y 1966, el poderoso sonido de su bajo puso la marca distintiva.

Por aquellos años Muff tocaba un fenomenal bajo Harmony H22, que se había convertido en una elección permanente para jóvenes músicos entusiastas que formaban bandas semi amateurs en los garage de sus casas, sobre todo en la costa oeste de los Estados Unidos. De hecho este particular y robusto sonido del Harmony 22 se escucharía durante 1966 engalanando otra canción que marcaría aquel año: Psycothic Reaction, con los Count Five.

La habilidad de Muff para sacarle jugo al H22 electriza al oyente desde los primeros compases de “Sigue Corriendo” la primer canción del Spencer Davis Group en llegar al número uno en las listas británicas, desbancando nada mas y nada menos que a la célebre “Day Tripper” de los Beatles, a inicios de 1966.  La canción además cuenta con el uso del pedal fuzz, y un efecto de distorsión en la guitarra, cortesía de Steve. El famoso pedal fuzz había sido un regalo traído desde Estados Unidos para Muff, y lo habían bautizado en su honor “The Big Muff” , por lo que los hermanos decidieron estrenarlo y darle un uso a la altura de las expectativas en la canción que los catapultaría como un grupo notable a nivel nacional e internacional.

El bajeo de Muff se volvió a hacer presente en la célebre introducción del siguiente hit mundial del Spencer Davis Group: Gimme Some Lovin.

Como una avalancha de sonido que envuelve al público en un júbilo creciente, se entrecruza la línea de bajo con el sonido hipnótico del Hammond B3 tocado por Steve Winwood. Los hermanos en plena ebullición creativa le habían dado ya al mundo del rock, dos canciones que se agigantarían con el paso del tiempo.

En 1967, en el mes de Abril, los hermanos acuerdan salir del grupo. Fue una decisión originada por la inquietud adolescente de Steve, quien ya empezaba a zambullirse en la inmensidad del océano psicodélico, junto a sus amigos Dave Mason y Jim Capaldi, con quienes ese mismo año lanzaría Traffic.

Por su parte Muff se mostró comprensivo una vez mas y apoyó la decisión de su hermano de retirarse del Spencer Davis Group, haciendo él mismo lo propio. Sin embargo, no fue a probar suerte a otra banda, ni trató de seguir en su aventura a Steve.

El futuro de Muff se vislumbró del otro lado del cristal (y del escritorio) en las casas de grabación, pues decidió trabajar como ejecutivo de Artistas y Repertorio en  Island Records, propiedad de su descubridor Chris Blackwell, quien por cierto estaba feliz con la nueva banda de Steve, convencido de que Traffic y el genio de  Winwood, serían el primer gran hit para catapultar a la disquera internacionalmente.

Una vez más, Blackwell no se equivocó.

Island Records mediante el talento y agudo oído musical de Muff, el hermano mayor de los Winwood se convirtió en una catedral para la música Rock, y desarrollando parte importante del género Progresivo, desde finales de los 60´s.

Muff  posteriormente produjo álbumes emblemáticos y vanguardistas como el “Kimono My House” de Sparks, en 1974, y el álbum debut de los Dire Straits en 1978.

Recientemente en noviembre de 2016 se le otorgó la presea “A&R Icon”, reconociendo su trayectoria de casi 50 años como impulsor de nuevos talentos tanto en Island Records como en Columbia-Sony Music International.

Del ex bajista de Spencer Davis Group  ha dicho Elton John: “Muff Winwood es sin duda, uno de los más grandes e influyentes ejecutivos de Artistas y Repertorio en Inglaterra, mi carrera le debe mucho”

Y el presidente de Capitol – Inglaterra tal vez le ha dedicado el mejor halago: “Cuando tenemos alguna duda sobre qué decisión tomar en la empresa respecto a nuestro catálogo de artistas, nos preguntamos qué haría Muff Winwood en ésta situación”

Finalmente, cuando la disquera Island Records cumplió 50 años de existencia en el 2009, se editó un documental cuyo nombre precisamente fue "Keep On Running" , recordando al genio de los hermanos Winwood que ayudó a cimentar el legendario sello.

Esa eterna sombra parental y protectora que primero supo cobijar y guiar el camino de su hermano menor Steve, niño prodigio, genio musical irrepetible, compositor y cantante de excepción, haciéndolo florecer por méritos propios en Traffic, Blind Faith y como exitoso solista; la proyectó también sobre innumerables talentos que desfilaron ante su escritorio.

Como ven, no siempre los lazos familiares provocan escozor en la piel…

Count Five, los sonidos Psicóticos del Garage...

Count Five fue una banda que le tocó (como a muchas) tratar de superar su propia medida de éxito, el estándar que ellos mismos se impusieron con la clásica instantánea 

“Psychotic Reaction” fue demasiado alto y no consiguieron repetir la fórmula que los colocara como un grupo que trascendía mas allá de un solo hit.

El disco y sencillo que se editara bajo un pequeño sello en el año de 1966 llamado Double Shot, afincado en Los Ángeles California fue una gran presentación de lo que en esos años era conocida como música de GARAGE, un sub género en sí mismo que a la postre se etiquetaría como GARAGE-ROCK.

Portada del disco Psychotic Reaction de 1966

Psychotic Reaction fue nombrada como una de las canciones que le dieron forma a lo que hoy conocemos como Rock, siendo seminal para bandas y sonidos que vendrían en los años posteriores.

La arquitectura de las casas  en algunos suburbios de ciudades estadounidenses posibilitó que los chicos con inquietudes musicales utilizaran las cocheras para reunirse por las tardes o los sábados en la mañana y aprovechando el eco que generaba el espacio cerrado, experimentar con la potencia en las guitarras, que pronto se volvió distorsión, y que junto al uso del pedal fuzz, marcaba el sonido característico de los garages y el ansia juvenil contenida en ellos.

Ese pedal fuzz había alcanzado notoriedad internacional gracias al No. 1 de julio de 1965 “Satisfaction” el himno Rollingstoniano por excelencia y una de las máximas canciones del rock en toda su historia.

A partir de esa cumbre lograda por el sonido fuzz, cada vez más se extendió su popularidad y las posibilidades de acompañar la energía garagera crecieron exponencialmente, logrando un sonido característico que conquistaba a miles de nuevas bandas surgidas bajo su sombra.

Una de esas bandas eran los SQUIRES, fundada en 1964 en San José California, una región que sería especialmente prolífica en la generación de sonidos frescos durante buena parte de los sesenta.

Count Five en una actuación en 1966, las chavas felices...

Integrada por John Michalski (guitarra principal)  y Roy Chaney (bajo)  sus miembros fundadores y complementada por Skip Cordell (batería) , Kenn Ellner (como cantante y armónica) y Phil Evans (teclados).  Evans y Cordell salieron al poco tiempo y sus lugares serían ocupados por  Butch Adkinson quien sería su nuevo baterista y por un chico inmigrante irlandés de nombre John Byrne que a la postre se convertiría en el líder de la banda y compositor principal.

Éste carismático muchacho llamó la atención de su vecino Ken Ellner, quien como él, asistía a la escuela Pionner High School de San José. En el patio de la escuela Byrne rasgaba su guitarra al compás de la famosa rola “Señora Brown, tiene una hija adorable” que era un hit en ese momento interpretada por el grupo Herman´s Hermits.

Ya como miembro de la banda Byrne influyó a Ellner para que el nombre artístico fuese cambiado a Count Five (juego de palabras que bien puede referirse a Cuenta de Cinco o bien a Los Cinco Condes) debido a su afición a las novelas del Conde Drácula. El nombre trajo consigo el look que los haría famosos, y la fotografía que los inmortalizaría, ya que decidieron tomarse una foto promocional, ataviados cada uno con  su respectiva capa de vampiro, frente a uno de los edificios más emblemáticos de San José California: La casa misteriosa Winchester, construida por la esposa del mismo William Wilt Winchester, inventor del súper famoso rifle de repetición que ayudó a la conquista del oeste estadounidense.

La famosa fotografía de Count Five frente a la casa Winchester, un lugar emblemático de San José California 

De ésta manera, ya con una imagen reconocible y con un sonido más trabajado empiezan a presentarse en la escena local de San José, donde por cierto, fueron compañeros y amigos de otras bandas representativas del Garage californiano: The Syndicate of Sound,  una banda muy curiosa y experimental llamada The Chocolate Watchband y por si fuera poco The Golliwogs , quienes en un par de años se convertirían en Creedence Clearwater Revival.

Cartel promocional de un concierto de Count Five en mayo de 1966, noten que Iron Butterfly también estaba en esa tocada

Acompañaron y aprendieron de éstas bandas, ganaron presencia escénica, por lo que el siguiente paso era buscar un sello para grabar su música, la cual se componía por un primigenio sonido de urgencia juvenil con el toque british, tan de moda por aquel entonces.

Pero la historia de ser rechazados una y otra vez por diversas casas discográficas también alcanza a los  Count Five, que como muchas bandas deben de pasar por una interminable búsqueda que pone a prueba el temple, la  consistencia y el amor al rock que debían profesar si es que deseaban continuar en el camino de la música.  Finalmente una pequeña disquera de nombre Double Shot les dio la tan ansiada oportunidad.

La banda sonaba tan fresca y convincente, que se dice que el mismo presidente del sello discográfico estuvo presente durante la grabación. Una vez más, la experiencia que habían desarrollado al estar sobre un escenario, por modesto que fuera, posibilitó un sonido poderoso.

La banda incluso  había llegado a ser la responsable de abrir los conciertos del grupo Them, en aquel entonces aún con Van Morrison al frente en la feria de Santa Barbara, curiosamente en ese mismo cartel les tocó alternar con otro Morrison, por entonces imberbe y desconocido cantante que se presentaba con su grupo llamado The Doors y que eran también unos perfectos desconocidos.

Llegaron a frecuentar algunos clubes importantes del círculo californiano como el Coconut Groove,  El Carousal Ballroom  y el más famoso de todos: el Fillmore West de San Francisco, donde muchos grupos y solistas se consagraron en aquellos agitados años 60´s.

De igual forma alternaron con verdaderos "consagrados" como The Beach Boys, Martha an the Vandellas, The Byrds y The Dave Clark Five...

Y todo gracias a una sola canción.

A pesar de que el grupo no demeritaba en calidad y poco a poco se hacían de un sonido propio, fueron un extraño caso en donde el éxito rotundo y la posteridad rocanrolera se la deben a una sola canción, que como golpe al rostro fue demoledora y auguraba una carrera llena de éxitos, un sonido que se antojaba podía crecer hasta convertirse en una realidad más amplia en aquellos tiempos previos al verano del amor. 

Sin embargo el Count Five  se incendió y consumió solamente con esa exitosa pero fatídica canción.

La Reacción Psicótica (Psychotic Reaction) fue himno garagero en aquel 1966.

Su sonido poderoso desde los primeros compases, su estructura sencilla, seca y salvaje, la guitarra fuzz, la forma en que los instrumentos se incorporan en el ritmo de la melodía, todos estos elementos convirtieron a Reacción Psicótica en una canción excepcional.

Alcanzando el casillero 5 en el Billboard estadounidense, Reacción Psicótica fue compuesta dentro de un ensayo del grupo a inicios de 1965, es pues en su origen una especie de jam session que  servía para poner “ a tono” a los chicos , aunque no tenía letra.

Las palabras surgieron de la mente juvenil de John Byrne , el cual durante una clase de Psicología en el San José City College escuchó murmurar a su amigo Ron Lamb el cual le dijo al oído “ ¿sabes cuál sería un gran título para una banda? : Reacción Psicótica”

Byrne , esa misma tarde, en un ensayo, comentó el nombre y posteriormente durante el trascurso de la sesión, iniciaron a darle forma a un instrumental compuesto por toda la banda. En esa ocasión se menciona que  el grupo completo le dio la forma final, en cuanto a la pista básica. El uso de la harmónica como una especie de sirena psicótica que anuncia una avalancha sónica se debió a que unos días antes Ken Ellner había adquirido el diminuto instrumento y fue precisamente su sonido, el que dio el tono sobre el cual se desarrollaría el jam instrumental.

Se dice que durante varios meses Count Five fue recomponiendo la melodía, haciéndola más compleja y además interpretándola en sus presentaciones en vivo, como un poderoso ejercicio instrumental, anunciándola ante su público ya como Psychotic Reaction, aunque aún no se tenía letra para el tema.

Edición mexicana del sencillo Psychotic Reaction, editada por Gamma

 Fue el mánager del grupo y además padre de Ken Ellner, un sujeto llamado Sol Ellner, quien prácticamente amenazó a John Byrne pidiéndole que cruzara la calle hasta su casa y no regresara a la sesión de no ser que trajera consigo una buena letra para el tema.

Todo el entramado musical había metamorfoseado en una especie de rompecabezas psicodélico, que aglutinaba todo el poderío de los instrumentos del grupo. Lucía ya la harmónica como telón de fondo, la guitarra fuzz , la batería típicamente garagera, el bajo que sostenía todo el entramado con sus sencillos pero poderosos acordes.

Así es que no debía fallar. Una letra ingeniosa sería la cereza en éste pastel aderazado típicamente por el espíritu de 1966. John Byrne cumplió y entregó una letra que hacía recordar en parte, las consignas de frustración juvenil vertidas en Satisfaction, de los Stones.

El sentido de urgencia por vivir, la sensación de hastío en un mundo que típicamente no comprende al adolescente rebelde,  focalizado en una relación de amor fallida. Todo listo para ser asimilado por millones de jóvenes mientras todo el cuerpo se envolvía en una espesa y transportante melodía que preconizaba todo el movimiento psicodélico que en ese 1966 tomaría forma y fuerza.

No podía ser mejor la combinación.  Y después de una serie de cambios, ajustes, sugerencias de fans, de amigos, de los mismos miembros de la banda, de productores de otros sellos discográficos que los rechazaban sistemáticamente, y aún después de que el productor de Double Shot, donde finalmente se prensó el sencillo y el disco les hiciera la sugerencia del grito que da parte al middle eight:  And It Feel Like This!!!

De ésta manera se redondeó una canción completa, llena de los sesenta, llena del sonido de millones de garajes que a lo largo y ancho de la Unión Américana, estaban dando forma a un nuevo estilo de hacer rock: seco, directo, psicodélico y bailable.

Lista de los discos mas vendidos en el sur de California el 28 de septiembre de 1966, según una estación local

La canción incluso llegó a ser covereada por Brenton Wood (recuerdan el exitazo "Gimme a Little Sign" - "Hazme una señal" aquí en México), debido a que Wood era el principal cantante solista de la disquera Double Shot. 

El álbum con otras 11 canciones además de la canción que también le dio nombre, apareció en ese mismo 1966. 

Mostraba un mosaico poderoso e imaginativo donde la harmónica de Ellner seguía siendo un llamado omnipresente a los nuevos tiempos que ya habían llegado. Double Decker Bus es prácticamente una calca en la estructura musical de Psychotic Reaction, después tendrían todavía tiempo para dos covers a The Who: La infaltable y seminal “My Generation”  y el tema “Out in The Street” ámbos cortes extraídos del álbum debut del combo inglés, aunque para ser sinceros, se quedan cortos en cuanto a fiereza en instrumentos y en voz al interpretar a los salvajes londinenses.

También aparecen muestras de pop exquisito con She´s Fine, Power Rock descarnado y oscuro con “Pretty Big Mouth” con un omnipresente sonido Fuzz, y la cara B del sencillo Psychotic Reaction: “They´re Gonna Get You” que hacía recordar pasajes de locura juvenil con inflexiones de voz al estilo de Napoleón XIV y su tema de ese mismo 66: “They´re Coming To Take Me Away”

Edición española del sencillo Psychotic Reaction, por Hispavox.

Desafortunadamente para la banda, el éxito completo debido a una canción los condenó a buscar con poco éxito otra fórmula musical que igualara o superara lo conseguido por “Reacción Psicótica”.

No lo consiguieron. Tal vez fue demasiado para unos adolescentes que sintieron que ya habían dejado su huella indeleble en los anales rockeros. Inexplicablemente fueron dejando de lado su vida musical y regresaron a las aulas. Luego, el servicio militar, las presiones familiares y una actitud francamente poco rebelde, hicieron que el grupo se desbandara definitivamente a inicios de 1969. En esos años de franca experimentación, madurez y crecimiento del rock, Count Five había encendido una mecha de un cartucho de dinamita que ya no pudo ver estallar en toda su magnitud.

Sólo les alcanzó la energía para un par de EP, que saldrían en 1967 y 1968.

Como dato curioso, la banda sirvió como inspiración al periodista, músico  y crítico de rock Lester Bangs, el cual escribió un libro llamado 

"Psychotic Reaction and  Carburetor Dung"

En éste libro, Bangs contaba la historia del grupo, el cual había lanzado numerosos discos cada uno superando en creatividad y refinamiento artístico al anterior, trabajos que respondían a los nombres de "Carburetor Dung", "Cartesian Jetstream", "Ancient Lace and Wrought -Iron Railings", los cuales se inscribían dentro de las mejores obras de su tiempo.

Sobra decir que éstos discos nunca existieron y la banda nunca llegó a las alturas de un álbum conceptual como "Tommy" de The Who, o "Village Green Preservation Society" de The Kinks.

Curiosamente, Bangs declaró en algún momento que nunca fue fan de Count Five, incluso le llegaba a molestar la propuesta musical de la banda, y lo que escribió sobre ellos se aproximaba más a una sátira que a una crónica fantástica.

The Count Five entre 1967 y 1969 tuvieron cierta variedad musical y aproximaciones a la psicodelia con sus temas "Contrast" "Declaration of Independence"  y sobre todo "Revelation in Slow Motion" donde se aprecia un sonido más sofisticado.

Sin embargo  la banda logró entrar al Olimpo de los inmortales siempre al ritmo del trepidante pedal fuzz y esa harmónica que tan bien musicalizaron una clásica 

Reacción Psicótica…

Count Five en acción, 1966

"NUESTRA MÚSICA ES ROJA, CON DESTELLOS PÚRPURAS..."

¿Es The Creation, uno de los secretos mejor guardados de los sesenta?

Dueños de un sonido multicolorido, que lo mismo emula el Power Rock de The Who, y el Mod de The Small Faces,

Los nombres de otras dos grandes bandas inglesas como The Kinks y The Rolling Stones, están relacionados permanentemente con ellos, aunque nunca alcanzaron el estatus legendario de éstas. 

Sin embargo The Creation le dio al Rock innovación, fuerza, texturas musicales desconocidas hasta entonces y un legendario ( y tristemente casi olvidado) guitarrista de nombre Eddie Philips quien entre otras "curiosidades" inventó el sonido de la guitarra eléctrica siendo acariciada  (o atravesada) por un arco de violín. 

Eddie Philips en 1966

Para cuando Jimmy Page, internacionalizaba dicha técnica en 1969 como parte del universo sonoro del tema "Dazed and Confused" ya habían pasado tres años desde que Philips hacía lo propio en el grupo de la Creación.

Jimmy Page  

A pesar de que Page en varias ocasiones rechazó que su influencia había sido Philips, dando el crédito al actor escocés David McCallum - hijo a su vez de un prestigioso cellista  de la filarmónica de Londres -  conocido a fines de los sesenta por haber realizado con relativo éxito , cierta mezcla de música clásica con  sonidos emparentados con el rock, el cual según Page le había sugerido la idea.

Una versión inverosímil , siendo que tanto Page como Philips pertenecían a un selecto grupo de guitarristas que pronto destacaron por sus dotes interpretativas en aquella escena en plena ebullición del "Swinging London" de los años sesenta.  El productor Shel Talmy, responsable de llevar a Page con los Kinks como músico de sesión para la grabación de "You Really Got Me" , ha sido claro al respecto.

Talmy, no tiene empacho en confesar que fue Philips y sus sonidos desarrollados en el grupo The Creation los que dieron a Page la idea del arco de viola rasgando las cuerdas de su Gibson Les Paul.

De hecho, Talmy fungió como productor en la corta , pero sustanciosa vida musical de The Creation.

Pero, ¿qué llevó a éste guitarrista, hoy casi desconocido y poco citado por la llamada " crítica especializada" a experimentar de ésta manera , adelantando años luz el sonido de una guitarra?

Eddie Philips nacido un 15 de agosto de 1942 en Londres, se había formado musicalmente en un grupo llamado The Mark Four, los cuales se formaron en 1962, grabando solamente cuatro sencillos para el sello Mercury entre 1964 y 1965.

Eddie siempre se había considerado un auténtico "made yourself" .

Impresionado con la guitarra Fender que le vio rasgar a Buddy Holly en 1958 durante una presentación en Inglaterra, empezó a construir su propia guitarra eléctrica, ya que las finanzas de un adolescente no daban para comprar una. Asimismo ensambló un amplificador que se vendía "por correo" y le diseñó su propia caja magnética, forrada de piel sintética roja.  Mas tarde compraría su primera guitarra eléctrica, una flamante Futurama, la marca preferida por los jóvenes músicos sin mucho presupuesto.

Así que ésta personalidad medio artesano, medio inventor y completamente músico, se volcó a conseguir sonidos cada vez más innovadores con el instrumento de seis cuerdas que ferozmente rasgaba. La música de The Mark Four ya suena áspera, filosa y alejada de estéticas como el Mersey Beat.

Junto con Philips, formaron a The Mark Four el bajista John Dalton (posterior integrante de The Kinks) , el cantante Kenny Picket y el baterista Jack Jones.

En 1964 la experimentación sonora había empezado a contagiarse, cual potente virus, entre las mentes ( y los dedos) de los jóvenes músicos. Eran los tiempos del descubrimiento de la distorsión, el feedback y la incorporación paulatina de "ruidos extraños" a la creación final. Pete Townshed de los Who era un ferviente converso al uso cada vez mayor del feedback y la distrosión. Hasta los Beatles experimentaban con ciertos artilugios sonoros como la reverberación inicial que se escuha en "I Feel Fine", tema de finales de 1964, por no decir del "curioso acorde" que abre "A Hard Day´s Night".

Philips ya había adquirido una flamante Gibson Cherry Red 335 que sustituía a la Futurama. Con éste instrumento y en palabras del propio Philips " El feedback era inevitable" 

The Mark Four, circa 1964

Y fue la incorporación cada vez mas frecuente de éste recurso sonoro, el que hizo a Philips ir por más. "Mi curiosidad se despertó  y empecé a imaginarme cómo sonaría una guitarra eléctrica , con feedback y atravesada cual cello clásico, con un arco. De lo que se trataba era de hacer música nueva e ir contra las reglas."

Ese paralelismo entre el sonido de The  Who, por aquellos años llamados aún High Numbers, con la distorsión producida por The  Mark Four, hizo crecer la leyenda posterior de que en algún momento, a Eddie Philips el mismo Pete Townshed lo invitó a formar parte de The Who como segundo guitarrista, algo que ya ha sido desmentido por Philips.

En algún momento de 1966, actuando ya como The Creation , compartieron escenario en un club llamado Burton´s .  En aquella ocasión hubo un auténtico enfrentamiento musical pleno de feedback y distorsión. Al final todos quedaron encantados , músicos y público. Pero la invitación para que fuera parte de los Who, no se dio.

La mutación de The Mark Four hacia The Creation se dio a finales de 1965. el cambio de nombre fue sugerencia de su nuevo Manager Tonny Stratton-Smith.  Con todo el bagaje musical adquirido en sus tiempos de The Mark four iniciaron la grabación de su primer sencillo llamado "Making Time" , producido por Shel Talmy, quien venía de trabajar con The Kinks y ... ¡The Who!

El resultado fue un exquisito experimento que aunque suena muy 1966 también puede ser atemporal, gracias a su revolucionario sonido, la crudeza de la guitarra, la aplastante fuerza de su sección rítmica y el tono sórdido de la interpretación vocal a cargo de Picket. 

Aunque no llegó mas allá del número 49 en las listas de popularidad británicas (en Estados unidos ni se enteraron) , ésta canción pavimentó el sonido crudo de la banda, la cual no rehuyó a la corriente Psicodélica, ya muy fuerte en Inglaterra durante la segunda mitad de 1966, y en su siguiente entrega "Painter Man" adelantan texturas que mas tarde incorporarían grupos como Status Quo en su primera etapa.

Carátula del E.P. que contiene Making Time, editado por el sello Vogue en Francia

Con "Painter Man", su canción más popular (número 36 en los charts británicos) también iniciaron un completo "Show Performance" en vivo, el cual incluía un acto de "Arte Espontáneo" donde el vocalista Picket pintaba delirante un bastidor mientras Philips ejecutaba el poderoso solo de guitarra, obviamente con arco de violín incluido. Por si eso fuera poco el lado B una canción llamada "Biff Bang Pow", mostraba la misma progresión de acordes en sus primeros compases que la inmortal "My Generation", de The Who.



Carátula del sencillo PAINTER MAN editado por Hit Ton en Alemania

Esta faceta innovadora en sus actuaciones en vivo, se inscribió bastante bien dentro del espíritu de los tiempos , los cuales buscaban expandir los universos sonoros a otros campos de las Bellas Artes. The Velvet Undergroud hacían lo propio, bajo los auspicios geniales de Andy Warhol , sumo sacerdote del Pop Art.

Pioneros en el Rock Performance al igual que the Who, con su espectáculo de anarquía y destrucción finalizando sus espectáculos, The Creation fueron también, indirectamente padres del movimiento Punk , donde la experiencia musical se convertía en una verdadera catarsis para la audiencia, sea a través del arte o de la transgresión.

The Creation en una actuación para la T.V. en 1966

En Alemania donde se convirtieron en verdaderos héroes, alcanzaron el lugar número 10 con Painter Man. Fue precisamente en Alemania donde se lanzó su único LP, ya que The Creation había sido un grupo sólo de singles en Inglaterra.

Tristemente The Creation quedaron como una eterna curiosidad sesentera, sin trascender nunca hacia esferas de mayor popularidad. The Who se volvió un fenómeno mundial desde 1969 , Jimmy Page en ese mismo año formaría a Led Zeppelin y le mostraría al mundo la asombrosa técnica guitarrera inventada por Philips desde 1963, 

sin darle el crédito debido.

Se empezaron a suceder constantes cambios de alineación y a  fines de 1967, Eddie abandonaría a The Creation, desilusionado por el tan evasivo éxito, y cansado de guerrear en interminables giras por Europa. 

Su lugar fue ocupado unos meses solamente por un guitarrista a quien la suerte le tendría deparadas inimaginables sorpresas, un guitarrista que transitó hacia la inmortalidad involuntaria o inesperada, al convertirse en el eterno cómplice y segundo a bordo de Keith Richards, dentro de la banda más grande de Rock en el mundo: The Rolling Stones.

¿Su nombre? Ron Wood.

The Creation no sobrevivirían mas allá de 1968.

Pero su legado seguirá siendo como algún día lo dijo el propio Philips:

"Nuestra música es roja, con destellos púrpuras"

Les dejamos ahora el video de Making Time, tomado de un show de T.V. en 1966, The Creation en su mejor momento:

Y también su otra rola inmortal " Painter Man"

Escucha la música de The Creation en Detrás del Sonido, todos los sábados a partir de las 10:30 p.m. a través de www.eufonicoradio.com