Count Five, los sonidos Psicóticos del Garage...

Count Five fue una banda que le tocó (como a muchas) tratar de superar su propia medida de éxito, el estándar que ellos mismos se impusieron con la clásica instantánea 

“Psychotic Reaction” fue demasiado alto y no consiguieron repetir la fórmula que los colocara como un grupo que trascendía mas allá de un solo hit.

El disco y sencillo que se editara bajo un pequeño sello en el año de 1966 llamado Double Shot, afincado en Los Ángeles California fue una gran presentación de lo que en esos años era conocida como música de GARAGE, un sub género en sí mismo que a la postre se etiquetaría como GARAGE-ROCK.

Portada del disco Psychotic Reaction de 1966

Psychotic Reaction fue nombrada como una de las canciones que le dieron forma a lo que hoy conocemos como Rock, siendo seminal para bandas y sonidos que vendrían en los años posteriores.

La arquitectura de las casas  en algunos suburbios de ciudades estadounidenses posibilitó que los chicos con inquietudes musicales utilizaran las cocheras para reunirse por las tardes o los sábados en la mañana y aprovechando el eco que generaba el espacio cerrado, experimentar con la potencia en las guitarras, que pronto se volvió distorsión, y que junto al uso del pedal fuzz, marcaba el sonido característico de los garages y el ansia juvenil contenida en ellos.

Ese pedal fuzz había alcanzado notoriedad internacional gracias al No. 1 de julio de 1965 “Satisfaction” el himno Rollingstoniano por excelencia y una de las máximas canciones del rock en toda su historia.

A partir de esa cumbre lograda por el sonido fuzz, cada vez más se extendió su popularidad y las posibilidades de acompañar la energía garagera crecieron exponencialmente, logrando un sonido característico que conquistaba a miles de nuevas bandas surgidas bajo su sombra.

Una de esas bandas eran los SQUIRES, fundada en 1964 en San José California, una región que sería especialmente prolífica en la generación de sonidos frescos durante buena parte de los sesenta.

Count Five en una actuación en 1966, las chavas felices...

Integrada por John Michalski (guitarra principal)  y Roy Chaney (bajo)  sus miembros fundadores y complementada por Skip Cordell (batería) , Kenn Ellner (como cantante y armónica) y Phil Evans (teclados).  Evans y Cordell salieron al poco tiempo y sus lugares serían ocupados por  Butch Adkinson quien sería su nuevo baterista y por un chico inmigrante irlandés de nombre John Byrne que a la postre se convertiría en el líder de la banda y compositor principal.

Éste carismático muchacho llamó la atención de su vecino Ken Ellner, quien como él, asistía a la escuela Pionner High School de San José. En el patio de la escuela Byrne rasgaba su guitarra al compás de la famosa rola “Señora Brown, tiene una hija adorable” que era un hit en ese momento interpretada por el grupo Herman´s Hermits.

Ya como miembro de la banda Byrne influyó a Ellner para que el nombre artístico fuese cambiado a Count Five (juego de palabras que bien puede referirse a Cuenta de Cinco o bien a Los Cinco Condes) debido a su afición a las novelas del Conde Drácula. El nombre trajo consigo el look que los haría famosos, y la fotografía que los inmortalizaría, ya que decidieron tomarse una foto promocional, ataviados cada uno con  su respectiva capa de vampiro, frente a uno de los edificios más emblemáticos de San José California: La casa misteriosa Winchester, construida por la esposa del mismo William Wilt Winchester, inventor del súper famoso rifle de repetición que ayudó a la conquista del oeste estadounidense.

La famosa fotografía de Count Five frente a la casa Winchester, un lugar emblemático de San José California 

De ésta manera, ya con una imagen reconocible y con un sonido más trabajado empiezan a presentarse en la escena local de San José, donde por cierto, fueron compañeros y amigos de otras bandas representativas del Garage californiano: The Syndicate of Sound,  una banda muy curiosa y experimental llamada The Chocolate Watchband y por si fuera poco The Golliwogs , quienes en un par de años se convertirían en Creedence Clearwater Revival.

Cartel promocional de un concierto de Count Five en mayo de 1966, noten que Iron Butterfly también estaba en esa tocada

Acompañaron y aprendieron de éstas bandas, ganaron presencia escénica, por lo que el siguiente paso era buscar un sello para grabar su música, la cual se componía por un primigenio sonido de urgencia juvenil con el toque british, tan de moda por aquel entonces.

Pero la historia de ser rechazados una y otra vez por diversas casas discográficas también alcanza a los  Count Five, que como muchas bandas deben de pasar por una interminable búsqueda que pone a prueba el temple, la  consistencia y el amor al rock que debían profesar si es que deseaban continuar en el camino de la música.  Finalmente una pequeña disquera de nombre Double Shot les dio la tan ansiada oportunidad.

La banda sonaba tan fresca y convincente, que se dice que el mismo presidente del sello discográfico estuvo presente durante la grabación. Una vez más, la experiencia que habían desarrollado al estar sobre un escenario, por modesto que fuera, posibilitó un sonido poderoso.

La banda incluso  había llegado a ser la responsable de abrir los conciertos del grupo Them, en aquel entonces aún con Van Morrison al frente en la feria de Santa Barbara, curiosamente en ese mismo cartel les tocó alternar con otro Morrison, por entonces imberbe y desconocido cantante que se presentaba con su grupo llamado The Doors y que eran también unos perfectos desconocidos.

Llegaron a frecuentar algunos clubes importantes del círculo californiano como el Coconut Groove,  El Carousal Ballroom  y el más famoso de todos: el Fillmore West de San Francisco, donde muchos grupos y solistas se consagraron en aquellos agitados años 60´s.

De igual forma alternaron con verdaderos "consagrados" como The Beach Boys, Martha an the Vandellas, The Byrds y The Dave Clark Five...

Y todo gracias a una sola canción.

A pesar de que el grupo no demeritaba en calidad y poco a poco se hacían de un sonido propio, fueron un extraño caso en donde el éxito rotundo y la posteridad rocanrolera se la deben a una sola canción, que como golpe al rostro fue demoledora y auguraba una carrera llena de éxitos, un sonido que se antojaba podía crecer hasta convertirse en una realidad más amplia en aquellos tiempos previos al verano del amor. 

Sin embargo el Count Five  se incendió y consumió solamente con esa exitosa pero fatídica canción.

La Reacción Psicótica (Psychotic Reaction) fue himno garagero en aquel 1966.

Su sonido poderoso desde los primeros compases, su estructura sencilla, seca y salvaje, la guitarra fuzz, la forma en que los instrumentos se incorporan en el ritmo de la melodía, todos estos elementos convirtieron a Reacción Psicótica en una canción excepcional.

Alcanzando el casillero 5 en el Billboard estadounidense, Reacción Psicótica fue compuesta dentro de un ensayo del grupo a inicios de 1965, es pues en su origen una especie de jam session que  servía para poner “ a tono” a los chicos , aunque no tenía letra.

Las palabras surgieron de la mente juvenil de John Byrne , el cual durante una clase de Psicología en el San José City College escuchó murmurar a su amigo Ron Lamb el cual le dijo al oído “ ¿sabes cuál sería un gran título para una banda? : Reacción Psicótica”

Byrne , esa misma tarde, en un ensayo, comentó el nombre y posteriormente durante el trascurso de la sesión, iniciaron a darle forma a un instrumental compuesto por toda la banda. En esa ocasión se menciona que  el grupo completo le dio la forma final, en cuanto a la pista básica. El uso de la harmónica como una especie de sirena psicótica que anuncia una avalancha sónica se debió a que unos días antes Ken Ellner había adquirido el diminuto instrumento y fue precisamente su sonido, el que dio el tono sobre el cual se desarrollaría el jam instrumental.

Se dice que durante varios meses Count Five fue recomponiendo la melodía, haciéndola más compleja y además interpretándola en sus presentaciones en vivo, como un poderoso ejercicio instrumental, anunciándola ante su público ya como Psychotic Reaction, aunque aún no se tenía letra para el tema.

Edición mexicana del sencillo Psychotic Reaction, editada por Gamma

 Fue el mánager del grupo y además padre de Ken Ellner, un sujeto llamado Sol Ellner, quien prácticamente amenazó a John Byrne pidiéndole que cruzara la calle hasta su casa y no regresara a la sesión de no ser que trajera consigo una buena letra para el tema.

Todo el entramado musical había metamorfoseado en una especie de rompecabezas psicodélico, que aglutinaba todo el poderío de los instrumentos del grupo. Lucía ya la harmónica como telón de fondo, la guitarra fuzz , la batería típicamente garagera, el bajo que sostenía todo el entramado con sus sencillos pero poderosos acordes.

Así es que no debía fallar. Una letra ingeniosa sería la cereza en éste pastel aderazado típicamente por el espíritu de 1966. John Byrne cumplió y entregó una letra que hacía recordar en parte, las consignas de frustración juvenil vertidas en Satisfaction, de los Stones.

El sentido de urgencia por vivir, la sensación de hastío en un mundo que típicamente no comprende al adolescente rebelde,  focalizado en una relación de amor fallida. Todo listo para ser asimilado por millones de jóvenes mientras todo el cuerpo se envolvía en una espesa y transportante melodía que preconizaba todo el movimiento psicodélico que en ese 1966 tomaría forma y fuerza.

No podía ser mejor la combinación.  Y después de una serie de cambios, ajustes, sugerencias de fans, de amigos, de los mismos miembros de la banda, de productores de otros sellos discográficos que los rechazaban sistemáticamente, y aún después de que el productor de Double Shot, donde finalmente se prensó el sencillo y el disco les hiciera la sugerencia del grito que da parte al middle eight:  And It Feel Like This!!!

De ésta manera se redondeó una canción completa, llena de los sesenta, llena del sonido de millones de garajes que a lo largo y ancho de la Unión Américana, estaban dando forma a un nuevo estilo de hacer rock: seco, directo, psicodélico y bailable.

Lista de los discos mas vendidos en el sur de California el 28 de septiembre de 1966, según una estación local

La canción incluso llegó a ser covereada por Brenton Wood (recuerdan el exitazo "Gimme a Little Sign" - "Hazme una señal" aquí en México), debido a que Wood era el principal cantante solista de la disquera Double Shot. 

El álbum con otras 11 canciones además de la canción que también le dio nombre, apareció en ese mismo 1966. 

Mostraba un mosaico poderoso e imaginativo donde la harmónica de Ellner seguía siendo un llamado omnipresente a los nuevos tiempos que ya habían llegado. Double Decker Bus es prácticamente una calca en la estructura musical de Psychotic Reaction, después tendrían todavía tiempo para dos covers a The Who: La infaltable y seminal “My Generation”  y el tema “Out in The Street” ámbos cortes extraídos del álbum debut del combo inglés, aunque para ser sinceros, se quedan cortos en cuanto a fiereza en instrumentos y en voz al interpretar a los salvajes londinenses.

También aparecen muestras de pop exquisito con She´s Fine, Power Rock descarnado y oscuro con “Pretty Big Mouth” con un omnipresente sonido Fuzz, y la cara B del sencillo Psychotic Reaction: “They´re Gonna Get You” que hacía recordar pasajes de locura juvenil con inflexiones de voz al estilo de Napoleón XIV y su tema de ese mismo 66: “They´re Coming To Take Me Away”

Edición española del sencillo Psychotic Reaction, por Hispavox.

Desafortunadamente para la banda, el éxito completo debido a una canción los condenó a buscar con poco éxito otra fórmula musical que igualara o superara lo conseguido por “Reacción Psicótica”.

No lo consiguieron. Tal vez fue demasiado para unos adolescentes que sintieron que ya habían dejado su huella indeleble en los anales rockeros. Inexplicablemente fueron dejando de lado su vida musical y regresaron a las aulas. Luego, el servicio militar, las presiones familiares y una actitud francamente poco rebelde, hicieron que el grupo se desbandara definitivamente a inicios de 1969. En esos años de franca experimentación, madurez y crecimiento del rock, Count Five había encendido una mecha de un cartucho de dinamita que ya no pudo ver estallar en toda su magnitud.

Sólo les alcanzó la energía para un par de EP, que saldrían en 1967 y 1968.

Como dato curioso, la banda sirvió como inspiración al periodista, músico  y crítico de rock Lester Bangs, el cual escribió un libro llamado 

"Psychotic Reaction and  Carburetor Dung"

En éste libro, Bangs contaba la historia del grupo, el cual había lanzado numerosos discos cada uno superando en creatividad y refinamiento artístico al anterior, trabajos que respondían a los nombres de "Carburetor Dung", "Cartesian Jetstream", "Ancient Lace and Wrought -Iron Railings", los cuales se inscribían dentro de las mejores obras de su tiempo.

Sobra decir que éstos discos nunca existieron y la banda nunca llegó a las alturas de un álbum conceptual como "Tommy" de The Who, o "Village Green Preservation Society" de The Kinks.

Curiosamente, Bangs declaró en algún momento que nunca fue fan de Count Five, incluso le llegaba a molestar la propuesta musical de la banda, y lo que escribió sobre ellos se aproximaba más a una sátira que a una crónica fantástica.

The Count Five entre 1967 y 1969 tuvieron cierta variedad musical y aproximaciones a la psicodelia con sus temas "Contrast" "Declaration of Independence"  y sobre todo "Revelation in Slow Motion" donde se aprecia un sonido más sofisticado.

Sin embargo  la banda logró entrar al Olimpo de los inmortales siempre al ritmo del trepidante pedal fuzz y esa harmónica que tan bien musicalizaron una clásica 

Reacción Psicótica…

Count Five en acción, 1966

La Metamorfosis del Rey Lagarto

Franz Kafka uno de los primeros grandes escritores del siglo XX ( o de los últimos del XIX) trabajaba afanosamente en re descubrirse y asombrarse con su propia existencia.

Son lugares comunes en su escritura el desdoblamiento de la personalidad, la trasmutación del homo ordinaris en una criatura que más allá del fatalismo que encierra una rutina implacable, encuentra una manera de trascender.

Kafka, se afana en regalar a sus personajes un alter ego diseñado para trascender su propia naturaleza y escapar de esa prisión etérea pero férrea que constituye la inercia del día a día.

De  ésta manera esbozaba viñetas humanas que se confundían en la masa anónima, debido a sus precarios recursos para vivir digamos, una existencia “interesante" .

Sin embargo, esa medianía existencial y corriente se enfrenta al desafío de un cambio radical hasta el punto de extrañarse de su propia persona . La cotidianidad se trasmuta entonces en una forma nueva de existir. Aunque esa forma revista el aspecto de la tragedia.

Se ha dicho que nadie como Kafka para profetizar el fracaso de cualquier día.  

Tuvo mucho de mártir involuntario en su vida cotidiana. Logró vivir  de un trabajo gris de oficinista de seguros que no le gustaba y sin embargo, no logró desprenderse de él sino hasta su jubilación anticipada.

La ansiedad anticipatoria o bien la extrañeza del hombre hacia sí mismo y su actividad es una constante en sus escritos y el término kafkiano, reconocido por la Real Academia de La Lengua , alude al absurdo y a lo complicado de situaciones que bajo otra óptica, son solo “ cotidianas”

Inmerso en esa angustia que procede de la asfixiante realidad y lo cotidiano, muchos años mas tarde se encuentra un poeta que también puede inscribirse en una tradición existencialista, a veces fatalista que sin embargo apunta a redimirse a sí mismo con una expresión de locura y denuncia.

A veces tremendamente simple y otras  siniestro y trágico.

La tragedia también lo persiguió, y fue perseguida por él.

Hizo del exceso y la denuncia su modus vivendi. 

Jim Morrison murió el mismo día que Kafka vino al mundo: un 3 de julio.

Dejó una estela de pensamientos que aún iluminan y fascinan a multitudes de rockeros y analistas varios. Una figura que se alimentó de su propia leyenda y que necesariamente se auto consumió en la tragedia que tantas veces cantó bajo diversas formas.

Morrison con su desesperanza y su absurdo de las cosas rutinarias se convirtió en un rockero kafkiano, a pesar de que su literatura y expresión musical lo han colocado cercano al movimiento Beat, y plumas como la de Bertold Bretch, Allen Gingsberg y Bukowsky. Sin embargo, quizá no de manera tan evidente el pensamiento y la forma de ver la vida de Morrison, también se bañaba en las aguas del absurdo, de lo cruelmente cotidiano, para trasformarlo mediante una denuncia subversiva, y la urgencia por tomarlo todo hasta hacerlo nada. incluyendo su propia vida.

Su grito desgarrador y edípico , célebre en el eterno interludio de su canción THE END, nos muestra una desesperación por aniquilar esa figura paterna castrante, urgido por  encontrar un significado a su propia identidad, alejado de la sombra del progenitor. Del horror y la experiencia del vacío y el sin sentido personal, en THE  END,  Jim Morrison pasa al vacío colectivo, casi universal.

La desesperanza y el grito ahogado de protesta innunda cada poro de piel del cantante y al expulsarlo se convierte en imagen apocalíptica (Francis Ford Coppola lo entendió muy bien)

Kafka manifiesta el reclamo abierto a su padre, a su arrogancia impositiva y su intransigencia descalificadora, la misma que quizá le llevó a buscar un empleo entre los grises muros de la burocracia, alejado del comercio y su devoción al dinero.

Jim Morrison encontró en el rock el vehículo de expresión que le permitió denunciar, trasgredir y acomodar el absurdo de lo cotidiano en retórica juvenil. Contestatario y peligroso, no obstante su pensamiento poético acude  en última instancia a mostrar su condición individual frente a un mundo que le parece extraño. El Barco de Cristal , canción incluida en su disco debut con ese ambiente que recuerda a Rimbaud, es una alegoría a la sensación de no pertenencia , que expresa el destino de los poetas: ir solo en medio de todos.

Kafka alude una implacable individualidad en la forma en que concibe al mundo. Con su típica visión de la realidad, coloca la condición de soledad de cada protagonista frente a lo cruelmente ilógico que tiene la vida cotidiana.

Así, trasforma un episodio  lleno de normalidad como lo es el descanso nocturno, en el  despertar  angustiante  del ser transformado en otro, en el monstruo que es desconocido y resulta repulsivo.

Recordamos entonces una línea típica de Morrison, en la canción Unhappy Girl de 1967:  

Kafka alude a la intervención de los sistemas creados por el ser humano pero que se vuelven contra el en un juego perverso, las instituciones burocráticas y la familia, ambas como proveedoras de justicia.

Morrison también observa este juego perverso donde las personas se hacen presas de sus propias invenciones ,para quejarse amargamente buscando arreglar lo que ellos mismos han descompuesto:

Pero es en la poesía del Rey Lagarto,  donde podemos encontrar inquietantes paralelismos con el pensamiento del hijo de Praga.  Kafka por cierto, vivió en el célebre callejón de la alquimia, una de las calles más tradicionales y con mayor encanto turístico de la capital de Checoslovaquia. Al parecer su relación con la alquimia no devino en una experiencia transubstancial de sí mismo. No logró a lo largo de su vida volverse el apreciable lingote de oro , su vida terminó prematuramente,   y en vida no obtuvo reconocimiento por su obra. En éste punto es diametralmente opuesto a Morrison, quien convertido en una celebridad , obtuvo los sinsabores que el peso de la fama brinda a los de espíritu  trascendente.

Jimbo, encerrado en un cuerpo de adonis, tuvo que aprender a ser idolatrado y deseado, jugar en el límite de la permisividad  y  buscar incansablemente ese proceso alquímico para transformarse en aquel que  desde el principio de su existencia estaba predestinado a ser.

Por eso su escape a París, lugar donde esperaba continuar con su proceso alquímico, lejos de donde una vez fue entronizado en leyenda. En París se descubrió tanto y se transformó tanto que acabó siendo un mito fundamental para lo que se le conoce como cultura del rock, para bien o para mal.

Dentro de la tina del baño, fue donde Jim se despertó para contemplarse ya metamorfoseado en el auténtico Rey Lagarto.

Ahí seguramente pudo cumplir la sentencia lapidaria del escritor Checo:

EMPIEZA DE UNA VEZ A SER QUIEN ERES, EN VEZ DE CALCULAR QUIEN SERÁS

Su último gesto de vida-muerte , definitivamente kafkiano.

Dentro de las creaciones de The Doors se advierte una urgencia para abordar el horror cotidiano:

Para trasmutar lo absurdo a un plano cósmico y generar epopeyas de bolsillo, (parafraseando un poco el término de Brian Wilson , respecto a su música) epopeyas y tragedias, donde se busca desesperadamente al anti héroe, para elevarlo a un templo místico.

El anti héroe de  RIDERS ON THE STORM, proyecta magnetismo a pesar de las atrocidades cometidas.

Acude a la condición de errante y desposeído, un “perro sin hueso” que se convierte en el enemigo peligroso. Un fantasma en medio de la tormenta. Un fantasma que será también el propio de Jim, curiosamente fallecido el mismo día en que la canción ingresara a las listas del billboard.

Destino tragicómico típico del universo de Kafka.

El jinete-asesino de la carretera habría alcanzado esa referencia evasiva que durante nuestras  vidas nos atormenta:

A través de su música y poesía, Jim Morrison juega con el poder del NO SER. Negándose en lo básico, sabe que se convierte en ese ser atemporal y omnipresente.

Quizá en el fondo de toda su obra y de su vida, la búsqueda del Rey Lagarto era acceder a una definitiva transustanciación. Siendo un  Chamán Cósmico que habitó el cuerpo de un músico atormentado,  la verdadera alquimia solo podía consumarse al tomar su magia escénica para cambiar esa sustancia que no tolera las horas, ni el paso de las estaciones, esa sustancia que irremediablemente  nos hace humanos e irremediablemente, kafkianos: 
El Miedo.

"NUESTRA MÚSICA ES ROJA, CON DESTELLOS PÚRPURAS..."

¿Es The Creation, uno de los secretos mejor guardados de los sesenta?

Dueños de un sonido multicolorido, que lo mismo emula el Power Rock de The Who, y el Mod de The Small Faces,

Los nombres de otras dos grandes bandas inglesas como The Kinks y The Rolling Stones, están relacionados permanentemente con ellos, aunque nunca alcanzaron el estatus legendario de éstas. 

Sin embargo The Creation le dio al Rock innovación, fuerza, texturas musicales desconocidas hasta entonces y un legendario ( y tristemente casi olvidado) guitarrista de nombre Eddie Philips quien entre otras "curiosidades" inventó el sonido de la guitarra eléctrica siendo acariciada  (o atravesada) por un arco de violín. 

Eddie Philips en 1966

Para cuando Jimmy Page, internacionalizaba dicha técnica en 1969 como parte del universo sonoro del tema "Dazed and Confused" ya habían pasado tres años desde que Philips hacía lo propio en el grupo de la Creación.

Jimmy Page  

A pesar de que Page en varias ocasiones rechazó que su influencia había sido Philips, dando el crédito al actor escocés David McCallum - hijo a su vez de un prestigioso cellista  de la filarmónica de Londres -  conocido a fines de los sesenta por haber realizado con relativo éxito , cierta mezcla de música clásica con  sonidos emparentados con el rock, el cual según Page le había sugerido la idea.

Una versión inverosímil , siendo que tanto Page como Philips pertenecían a un selecto grupo de guitarristas que pronto destacaron por sus dotes interpretativas en aquella escena en plena ebullición del "Swinging London" de los años sesenta.  El productor Shel Talmy, responsable de llevar a Page con los Kinks como músico de sesión para la grabación de "You Really Got Me" , ha sido claro al respecto.

Talmy, no tiene empacho en confesar que fue Philips y sus sonidos desarrollados en el grupo The Creation los que dieron a Page la idea del arco de viola rasgando las cuerdas de su Gibson Les Paul.

De hecho, Talmy fungió como productor en la corta , pero sustanciosa vida musical de The Creation.

Pero, ¿qué llevó a éste guitarrista, hoy casi desconocido y poco citado por la llamada " crítica especializada" a experimentar de ésta manera , adelantando años luz el sonido de una guitarra?

Eddie Philips nacido un 15 de agosto de 1942 en Londres, se había formado musicalmente en un grupo llamado The Mark Four, los cuales se formaron en 1962, grabando solamente cuatro sencillos para el sello Mercury entre 1964 y 1965.

Eddie siempre se había considerado un auténtico "made yourself" .

Impresionado con la guitarra Fender que le vio rasgar a Buddy Holly en 1958 durante una presentación en Inglaterra, empezó a construir su propia guitarra eléctrica, ya que las finanzas de un adolescente no daban para comprar una. Asimismo ensambló un amplificador que se vendía "por correo" y le diseñó su propia caja magnética, forrada de piel sintética roja.  Mas tarde compraría su primera guitarra eléctrica, una flamante Futurama, la marca preferida por los jóvenes músicos sin mucho presupuesto.

Así que ésta personalidad medio artesano, medio inventor y completamente músico, se volcó a conseguir sonidos cada vez más innovadores con el instrumento de seis cuerdas que ferozmente rasgaba. La música de The Mark Four ya suena áspera, filosa y alejada de estéticas como el Mersey Beat.

Junto con Philips, formaron a The Mark Four el bajista John Dalton (posterior integrante de The Kinks) , el cantante Kenny Picket y el baterista Jack Jones.

En 1964 la experimentación sonora había empezado a contagiarse, cual potente virus, entre las mentes ( y los dedos) de los jóvenes músicos. Eran los tiempos del descubrimiento de la distorsión, el feedback y la incorporación paulatina de "ruidos extraños" a la creación final. Pete Townshed de los Who era un ferviente converso al uso cada vez mayor del feedback y la distrosión. Hasta los Beatles experimentaban con ciertos artilugios sonoros como la reverberación inicial que se escuha en "I Feel Fine", tema de finales de 1964, por no decir del "curioso acorde" que abre "A Hard Day´s Night".

Philips ya había adquirido una flamante Gibson Cherry Red 335 que sustituía a la Futurama. Con éste instrumento y en palabras del propio Philips " El feedback era inevitable" 

The Mark Four, circa 1964

Y fue la incorporación cada vez mas frecuente de éste recurso sonoro, el que hizo a Philips ir por más. "Mi curiosidad se despertó  y empecé a imaginarme cómo sonaría una guitarra eléctrica , con feedback y atravesada cual cello clásico, con un arco. De lo que se trataba era de hacer música nueva e ir contra las reglas."

Ese paralelismo entre el sonido de The  Who, por aquellos años llamados aún High Numbers, con la distorsión producida por The  Mark Four, hizo crecer la leyenda posterior de que en algún momento, a Eddie Philips el mismo Pete Townshed lo invitó a formar parte de The Who como segundo guitarrista, algo que ya ha sido desmentido por Philips.

En algún momento de 1966, actuando ya como The Creation , compartieron escenario en un club llamado Burton´s .  En aquella ocasión hubo un auténtico enfrentamiento musical pleno de feedback y distorsión. Al final todos quedaron encantados , músicos y público. Pero la invitación para que fuera parte de los Who, no se dio.

La mutación de The Mark Four hacia The Creation se dio a finales de 1965. el cambio de nombre fue sugerencia de su nuevo Manager Tonny Stratton-Smith.  Con todo el bagaje musical adquirido en sus tiempos de The Mark four iniciaron la grabación de su primer sencillo llamado "Making Time" , producido por Shel Talmy, quien venía de trabajar con The Kinks y ... ¡The Who!

El resultado fue un exquisito experimento que aunque suena muy 1966 también puede ser atemporal, gracias a su revolucionario sonido, la crudeza de la guitarra, la aplastante fuerza de su sección rítmica y el tono sórdido de la interpretación vocal a cargo de Picket. 

Aunque no llegó mas allá del número 49 en las listas de popularidad británicas (en Estados unidos ni se enteraron) , ésta canción pavimentó el sonido crudo de la banda, la cual no rehuyó a la corriente Psicodélica, ya muy fuerte en Inglaterra durante la segunda mitad de 1966, y en su siguiente entrega "Painter Man" adelantan texturas que mas tarde incorporarían grupos como Status Quo en su primera etapa.

Carátula del E.P. que contiene Making Time, editado por el sello Vogue en Francia

Con "Painter Man", su canción más popular (número 36 en los charts británicos) también iniciaron un completo "Show Performance" en vivo, el cual incluía un acto de "Arte Espontáneo" donde el vocalista Picket pintaba delirante un bastidor mientras Philips ejecutaba el poderoso solo de guitarra, obviamente con arco de violín incluido. Por si eso fuera poco el lado B una canción llamada "Biff Bang Pow", mostraba la misma progresión de acordes en sus primeros compases que la inmortal "My Generation", de The Who.



Carátula del sencillo PAINTER MAN editado por Hit Ton en Alemania

Esta faceta innovadora en sus actuaciones en vivo, se inscribió bastante bien dentro del espíritu de los tiempos , los cuales buscaban expandir los universos sonoros a otros campos de las Bellas Artes. The Velvet Undergroud hacían lo propio, bajo los auspicios geniales de Andy Warhol , sumo sacerdote del Pop Art.

Pioneros en el Rock Performance al igual que the Who, con su espectáculo de anarquía y destrucción finalizando sus espectáculos, The Creation fueron también, indirectamente padres del movimiento Punk , donde la experiencia musical se convertía en una verdadera catarsis para la audiencia, sea a través del arte o de la transgresión.

The Creation en una actuación para la T.V. en 1966

En Alemania donde se convirtieron en verdaderos héroes, alcanzaron el lugar número 10 con Painter Man. Fue precisamente en Alemania donde se lanzó su único LP, ya que The Creation había sido un grupo sólo de singles en Inglaterra.

Tristemente The Creation quedaron como una eterna curiosidad sesentera, sin trascender nunca hacia esferas de mayor popularidad. The Who se volvió un fenómeno mundial desde 1969 , Jimmy Page en ese mismo año formaría a Led Zeppelin y le mostraría al mundo la asombrosa técnica guitarrera inventada por Philips desde 1963, 

sin darle el crédito debido.

Se empezaron a suceder constantes cambios de alineación y a  fines de 1967, Eddie abandonaría a The Creation, desilusionado por el tan evasivo éxito, y cansado de guerrear en interminables giras por Europa. 

Su lugar fue ocupado unos meses solamente por un guitarrista a quien la suerte le tendría deparadas inimaginables sorpresas, un guitarrista que transitó hacia la inmortalidad involuntaria o inesperada, al convertirse en el eterno cómplice y segundo a bordo de Keith Richards, dentro de la banda más grande de Rock en el mundo: The Rolling Stones.

¿Su nombre? Ron Wood.

The Creation no sobrevivirían mas allá de 1968.

Pero su legado seguirá siendo como algún día lo dijo el propio Philips:

"Nuestra música es roja, con destellos púrpuras"

Les dejamos ahora el video de Making Time, tomado de un show de T.V. en 1966, The Creation en su mejor momento:

Y también su otra rola inmortal " Painter Man"

Escucha la música de The Creation en Detrás del Sonido, todos los sábados a partir de las 10:30 p.m. a través de www.eufonicoradio.com

La música del fin del mundo

La época que enmarca a la obra es el aire que respira el autor .  

Hubo un momento  en la historia de la música Rock, en que hacer un álbum era casi como internarse en un viaje sin retorno de donde podría emerger una nueva era o bien podrían quedarse para siempre petrificados los restos del insensato que pisaba terrenos fangosos y desconocidos. Aventura pues, era la palabra.

Proyectos cada vez mas ambiciosos se daban cita entre los surcos de viniles y muchas veces éstos eran intrincados álbumes dobles. Ya que dos caras difícilmente podían contener una epopeya de tan titanica dimensión. La apoteosis llegaría con The Wall en 1979, pero prácticamente desde diez años atrás, la tendencia a realizar verdaderas "OBRAS" así con mayúscula , flotaba en el aire creativo.

El contexto

El álbum que nos ocupa hoy, nace de éste caldo de cultivo que lo mismo incluía golpes de estado, tendencias al peace and love, y una franca vocación por la experimentación y por llevar al Rock, mas allá de sus fronteras usuales.

Cuatro músicos griegos desfachatados pero tomando muy en serio su papel de innovadores en un  momento especialmente álgido en la historia de su país. 
Evángelos Odiseas "Vangelis" Papathanassiou (órgano, piano, flauta, percusiones, coros), Artemios Venturis "Demis" Roussos ( Bajo, coros, voz), Lucas Sideras (Batería, coros, voz) y Anargyros "Silver" Kolouris (Guitarras, percusión) fueron los encargados de poner a Grecia en el universo musical moderno de lo que en esos momentos era llamado " rock progresivo".

La Formación original de Aphrodite´s Child

Después de unos inicios musicales para Vangelis y Demmis Roussos en grupos como  The Formynx, The Idols o We five en la escena rocanrolera griega, sus habilidades sobre todo en la producción y experimentación se habían desarrollado de manera exponencial. Su particular estilo no pasó desapercibido para los ejecutivos del sello Philipps quienes los envían a Inglaterra para grabar un álbum en forma. En ese momento Grecia era territorio peligroso por el advenimiento de un régimen militar, así que estos músicos aceptaron exiliarse gustosos en terrenos menos movedizos para generar música de avanzada. 

Era 1968 y la psicodelia ya invadía todos los rincones creativos, sobre todo en el rock y el pop, pero también los movimientos sociales-juveniles-estudiantiles pronto teñirían con sangre y arcoiris el decorado de tan convulso período. 
Al no conseguir los permisos respectivos para trabajar en Inglaterra tuvieron que establecer su centro de operaciones en París. 
La ciudad luz fue la responsable de brindar un telón de fondo inigualable para las pretensiones artísticas de Vangelis (sobre todo) que no paraba de absorber todo cuanto se movía en el círculo cultural y artístico de la capital francesa. En ese ambiente mitad bohemio, mitad avant gard fué como cobraron vida las primeras composiciones formales de la banda. Rain and Tears, primer sencillo en editarse ya bajo el nombre definitivo de "APHRODITE´S CHILD"  en el sello Mercury. 

Ahí se somaban al barroco y a Pachelbel con su célebre Cannon.  A finales del 68 editan el primer larga duración y de ahí dan a conocer el tema "End of The World" prefigurando temáticas que ya agitaban el intelecto del barbudo director de éste pulido ya , proyecto musical.

El Fin del Mundo. Con todo lo que representaba en aquel tiempo, se empezó a convertir en una idea recurrente para desarrollarla de manera mucho mas ambiciosa y compleja. Para 1969 editan su segundo álbum "It´s Five O ´Clock"  enfrascados ya definitivamente en la estética progresiva, y articulando arreglos de organo clásico con efectos sonoros que tejen pasajes épicos para adornar la voz ya por entonces bastante educada y con sello personalísimo de Demmis Roussos.

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La obra

Pero la gran obra que nos ocupa vendría a gestarse definitivamente desde los meses finales de 1970 y los primeros del 71. Tres meses de ardua producción, reflejando cada idea que integraría un auténtico "Album Conceptual" teniendo al último libro de la Biblia como hilo conductor definitivo.

La obra se llamaría primero "Apocalipsis" después "La Revelación" , pero en un mundo dominado por simbolismos que dentro del rock ya presentaban una nueva cosmogonía
 -recordamos el symbols de Led Zeppelin de ese mismo 1971- la banda terminó llamando simplemente 666 al proyecto discográfico. 

Ahí encontramos toda la complejidad de un libro por demás perfectamente asimilable a la condición humana. Libro pletórico de representaciones mentales, de psicología profunda para tratar de explicar la eterna dualidad del bien y el mal, llevando éste combate interno presente en cualquier ser humano a niveles de batallas cósmicas. 

Simbología de los primeros cristianos incluyendo el omnipresente cordero, como animal clave en el bestiario de Cristo, el mágico número 7 enumerando sellos y trompetas que anunciaban el advenimiento de la batalla final, el omnipresente enemigo , la batalla final y el establecimiento de un nuevo orden mundial y cósmico precedido por "La Nueva Jerusalén"  San Juan, desde la no menos mitológica isla de Éfeso, recetaría sin proponérselo una serie de lugares y conceptos que casi dos mil años después encajarían a la perfección con el lugar y momento juvenil. Las batallas mitológicas se libraban en las calles de París, de Praga, de la Ciudad de México. 

El enemigo , el dragón de siete cabezas estaba presente en la realidad cotidiana y el arte vendría a jugar una especie de nueva revelación que al mismo tiempo de proteger, redimiría y podría fungir como arquitecto de esa nueva ciudad donde los happenings no tuvieran fin. 

Ideología del libre pensador reencontrándose con las premisas básicas del cristianismo primitivo. Vida en comuna, exaltación por la creación artística y la experimentación. Redefinición del concepto de "vanguardia" como un vehículo de expresión y comunión no solo hacia el exterior sino 
- sobre todo -  al interior de cada ser humano.  

Por ello encontramos misticismo y un abrazo prolongado a las estéticas orientales en cuanto a música y textos. El ambiente que emerge de cada surco del vinil nos lleva hasta Palestina año 70, nos adormece la vista con el horizonte inquebrantable del mar muerto, se desmoronan las calizas que levantaron los muros esenios en el valle  de Jezreel y mas aún, nos conecta con la idea de que una nueva era se aproxima. Tal cual ocurría en la mente de la juventud y de muchos creadores en los últimos sesenta.

Letras Apocalípticas

Tan ambiciosa obra, al menos en lo que a desarrollo de concepto se refiere,  tuvo su origen en la imaginación desbordada de Costas Ferris.

Costas es un escritor, cineasta y guionista griego, que se ha forjado un nombre propio como generador de películas llamadas " experimentales"  siempre rodeadas de un halo de misticismo y con un profundo interés por lo sobrenatural y también lo que  a finales de los años sesenta pudo haberse considerado como "contracultura".

Costas Ferris

Costas ideó un guión que serviría como base para el desarrollo de los temas, escribió un libro que se acompañaría al álbum, donde presentaba una compañía de circo la cual en su vida itinerante presentaba un gran show basado en el libro del Apocalipsis. Algo parecido a lo que hoy en día realiza el Cirque Du Soleil con sus diversos proyectos, centrados en un concepto a partir del cual se desarrolla todo un despliegue de sonido, luces y performance.  Esa idea a finales de los años 60 se encontraba profundamente ligada a estéticas conceptuales que habían iniciado formalmente en el 67 con la aparición del "Sgt. Pepper" y más adelante el "Magical Mistery Tour" también de ese año, trabajos ambos de "The Beatles".

La idea a desarrollar en el espectáculo circense era por demás inquietante y podría estar ligada con un lenguaje fílmico salido de los guionistas de "la nueva ola del cine francés" aunque también hacía recordar el juego de tiempo y espacio de ciertos filmes de Orson Wells donde se busca un juego de espacios y tiempos en realidades simultáneas y a veces opuestas. 

Alterando tiempo y espacio para unificar al final del filme en un solo plano ambas realidades. Así mientras dentro del circo se presentaba una "representación" con luz, sonido y arte performatico del Apocalipsis, afuera de la carpa se estaba dando en la realidad la lucha definitiva entre el bien y el mal. El auditorio fascinado , pensaba que todo era parte de el mismo show, aunque al final las dos realidades se encuentran en una sola batalla entre "el bien y el mal" , entre la verdadera revelación y su representación escénica. Una idea brillantemente tejida alrededor del antiguo concepto de la "realidad" producto de nuestros sentidos o producto de algo mas , que ocurre allá afuera, y no por el hecho de no percibirlo deja de ser real.

Kit Lambert trabajando con The Who, en la opera-rock "Tommy" en 1969

Costas además de pertenecer a esa generación de cineastas y guionistas de ruptura y vanguardia había tenido la oportunidad de conocer y trabajar de cerca con Kit Lambert, el productor musical  detrás de "Tommy" considerada la primer ópera rock de la historia,  manager de "The Who" . Tanto Costas Ferris como Kit Lambert habían trabajado en la película " The Moonspiners" el primero como asistente de dirección  mientras que el inglés había sido jefe de unidad de filmación. Así pues, las ideas y experiencia previa dentro del séptimo arte, marcaron un parentesco lejano si se quiere, pero similar en ideas conceptuales básicas entre Tommy y  666. 

Costas ideó un "libro conceptual" que generara un "álbum conceptual" . Una especie de guión cinematográfico que proveyera el sustrato de la historia y que sirviera como una especie de "centro tonal" alrededor del cual girara la música del proyecto. Ferris había pensado en una especie de "Oratorio" más que una "Ópera Rock", debido al carácter sacro del libro del Apocalipsis de San Juán, fuente de toda la idea.

La Música

Los temas son por demás eclécticos en tratamientos musicales, ritmo, carácter propio y estados de ánimo desde el júbilo triunfante, hasta la más profunda desolación, pasando por la histeria, el paroxismo, la resignación por el aniquilamiento inminente y los aires proféticos y por supuesto, escatológicos.

Brilla con luz propia el tema de "Los 4 jinetes" obvio, del Apocalipsis.

La voz de Demmis Roussos luce especialmente dramática para la ocasión, escuchándose como un grito ahogado en el desierto, acompañada de una atmósfera sonora  que nos sitúa en la cúspide del monte Horeb en una especie de anuncio profético que se convierte en un himno rocanrolero de la mejor cepa setentera y progresiva.

"Aegian Sea" nos recuerda cierta estética Floydiana, generando un clima de misterio y de la mano de una interpretación por demás inquietante de los coros emerge una voz cavernosa, y levemente alterada en su timbre, adelantándose a ciertos efectos del vocoder, que verá su nacimiento como elemento sonoro ya bien entrados los setenta. La guitarra nos recuerda pasajes que David Gilmour ha hecho ya su célebre marca registrada.

Efectos de sonido , campanas tubulares y misterio en el micro instrumental "The Wakening Beast"   

"Lament" es una fotografía sonora del muro de las lamentaciones, el sangrado perenne y profuso de Jerusalén que a través de los siglos ha tenido que dar cobijo a los tres credos monoteístas mas importantes, con todo lo que en desencuentros y humo de muerte ésto pueda representar. 

Curiosamente el tema "Tribulation" que marca el cenit del poder maligno y la inminente destrucción del género humano para dar paso al imperio de las sombras es un muy breve ejercicio de free jazz, recordando por un momento a Ornette Coleman y su revolución sincopada. "The Beast" suena juguetón y sarcástico, presentando a La Bestia como un ser sofisticado y decadente, definitivamente fuera del alcance humano.

"The Wedding of the lamb" definitivamente nos traslada a una boda oriental, con un sonido enérgico en las percusiones , alientos que anuncian júbilo y coros místicos.  Al final el sintetizador de Vangelis conecta cielo e infierno con una sonoridad bastante singular. El tema instrumental da paso a "The Capture of the Beast" , mucho más dramático y basado en motivos de percusión. Una línea constante de batería, sonidos de cadenas, de nuevo el sintetizador consiguiendo un halo cósmico y fantasmal. Tremendamente rockero y lleno del espíritu de los tiempos.

Pero sin duda el tema más controversial, censurado y definitivamente apocalíptico  es "Infinity"

Una especie de mantra consistente en la repetición obsesiva e histérica de las palabras

 " I am, I ám to come I was" pronunciadas de manera magistral y definitivamente inquietante por Irene Papas, una de las actrices griegas más internacionales. 

Irene Papas, en 1971

Sólo con su voz, sus jadeos, sus sonidos guturales y teniendo como único acompañamiento musical la batería tocada por Vangelis logra un efecto hipnótico, un túnel de sensaciones extrañas, una especie de posesión satánica, un vértigo definitivamente difícil de comprender y aceptar a la primera oída. El trabajo actoral es sobresaliente, la voz de Papas oscila por ámbos canales estereofonicos, logrando provocar un escalofrío al subconsciente del escucha. 

Las interpretaciones son muchas, pueden ser infinitas como el título. 

Se dice que fue la representación de un coito con el demonio. Satán posee definitivamente a la humanidad, representada por Irene, le provee un orgasmo poderoso y lleno de furia como todas las bombas atómicas que estarían por venir en el futuro lleno de fuego y sin razón. Puede parecer también el nacimiento de una nueva versión de la historia, la cual trata de afirmar una humanidad que no necesita de Dios. 

Una humanidad dueña de su poder trasformador, creadora del tiempo y el espacio, una criatura emancipada, y definitivamente atea. O también podría llevarnos a las eternas dicotomías existenciales, según Erich Fromm donde nuestra animalidad aún no ha logrado reconciliarse con la conciencia humana. Somos uno con la naturaleza pero al mismo tiempo estamos expulsados de ella. La dominamos pero somo al final del día nosotros, los que siempre perecemos como muñecos vulnerables ante sus embates. Esa histeria del género humano, ese conflicto eterno puede alimentar el grito desesperado de "Infinity".

Esta pieza en el máster de grabación tiene una duración de ¡39 minutos! , por lo que el trabajo de improvisación actoral de Irene Papas además de agotador es majestuoso. La versión final aparecida en el álbum es de 5 minutos , aunque los ejecutivos de Philips mostraron desde un principio su descontento por la aparición de "Infinity" al considerarla poco menos que blasfema. Sin embargo, al ser parte fundamental de un concepto total Vangelis siempre pugnó por incluirla, aunque debió de editarla y tratar de "maquillar" un poco la versión final. La censura en España, sin embargo, fue mas poderosa y definitivamente se prohibió su difusión. 

Surrealismo apocalíptico.

Un álbum se convierte en mítico también , por los acontecimientos paralelos a su lanzamiento, sus causas y efectos que se desbordan en campos mas allá de la mero contenido musical. 

666 tuvo en su momento un decidido entusiasmo de celebridades artísticas como el mismísimo Salvador Dalí.

Dueño de un magnetismo natural hacia lo aparentemente incomprensible , provocador y vanguardista, el "Divino Dalí" no pasó por alto la aparición de éste trabajo discográfico. 

Costas Ferris se había encontrado por primera vez con el Genio Surrealista en una exposición del pintor Oliver Mosset en Paris, en aquel 1971. En esa exposición se reunían algunas celebridades del "rock underground" como Nico (protegida de Andy Warhol y por aquel entonces  esposa del director de cine Philippe Garrel) el mismo Andy Warhol y por supuesto Dalí, que tan bien le sentaba ese ambiente de ruptura y bohemia vanguardista.

El escritor de 666 posteriormente invitó a Dalí a la presentación oficial del disco , en el estudio Europa Sonor de la Philips, en París.

Vangelis y Dalí

El Divino efectivamente asistió, convirtiéndose en el auténtico rey de la velada, ocupó un trono de honor especialmente reservado y en silencio absoluto escuchó la obra completa. 80 minutos después del viaje sonoro, Dalí estaba francamente entusiasmado. De inmediato inició su disertación sobre las imágenes llegadas a su mente. Relacionó al disco con la Iglesia de la Sagrada Familia en Barcelona, obra inconclusa de Antonio Gaudí.  El último y lacónico comentario de Dalí acerca del disco fue lapidario: "Si hubiera sido músico o letrista, ésta hubiera sido una de mis grandes obras".  

Vangelis, Dalí y Amanda Lear 

Dalí propuso realizar una especie de "Gran Happening" cuyo epicentro fuera la Iglesia de la Sagrada Familia en Barcelona, para la presentación al mundo del disco. Para la ocasión incluso llegó a elaborar un script , donde plasma sus ideas surreales pero perfectamente compatibles con el carácter de la grabación. Desafortunadamente ésta gran Premiere-Happening nunca tuvo lugar, debido en parte al rechazo del gobierno de Franco y las complicaciones logísticas para llevar a buen puerto el evento.

Aquí el Script hecho por Dalí, inspirado en la música del 666:

1. La ley marcial será proclamada en Barcelona el domingo. A nadie le será permitido salir a las calles para admirar el evento. Sin cámaras, sin televisión, sin imágenes. Tan solo una joven pareja de pastores tendrán el privilegio de ser testigos del acontecimiento. Más tarde podrán narrárselo a la gente por transmisión oral.

2. Gigantescos altavoces serán colocados en las calles, de donde todo el día emanarán los sonidos de la obra "666", de Vangelis, Costas Ferris y Aphrodite's Child. No habrán ninguna actuación en directo.

3. Soldados vestidos con uniformes nazis desfilarán marcialmente por las calles de Barcelona, arrestando a cualquiera que no cumpla dicha ley marcial.

4. Cientos de cisnes serán puestos en libertad en frente de la Sagrada Familia, con cartuchos de dinamita en su pecho, los cuales explotaran lentamente como efectos especiales. (Dichos cisnes vivos serán operados para introducir los cartuchos en su pecho).

5. Enormes aviones volarán durante todo el día sobre Barcelona provocando un ruido ensordecedor.

6. Al mediodía, esos aviones comenzarán el bombardeo de la catedral, lanzando sobre ella todas sus municiones.

7. Pero en vez de bombas, lanzarán elefantes, hipopótamos, ballenas y arzobispos con paraguas. (Costas Ferris; "¿Quiere decir falsos arzobispos, es decir, de plástico, o muñecos vestidos de arzobispos?". "No joven. Cuando digo Arzobispos quiero decir arzobispos de los de verdad. Ya es hora de terminar con la iglesia").

Otro sueño surrealista provocado por la mágica música creada sobre todo por Vangelis, y que junto a Demmis Roussos y Lucas Sideras , acompañados de Costas Ferris como letrista y guionista, generaron uno de los álbumes definitivamente conceptuales, exagerados, eclécticos provocadores y vanguardistas de su generación.

Bañado en LSD pero también bajo el influjo de "SALEPH" como lo pregonaba Vangelis en la portada y que le valió también la censura y la persecución por parte de las conciencias radicales de la Iglesia, que veían en Saleph a una especie de ángel de la muerte, un demonio inspirador y perverso, aunque posteriormente se descubriera que el famoso Saleph es sólo una bebida típica y hasta cierto punto energizante , originaria de Turquía.



Sin embargo cuando uno termina de escuchar las cuatro caras del disco, se pregunta si ese Saleph es solamente una inocente bebida local... la avalancha sonora es demasiado estrepitosa para provenir de un inocente tubérculo que crece en las llanuras del medio oriente. ¿ O si ?

Les dejo tres ejemplos sonoros del 666, ¡¡¡disfruten el viaje al fin de los tiempos!!!

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Infinity, les recomiendo escucharla, enmedio de la noche, con el cosmos cayendo a pedazos... y con un buen par de audifonos.
Nos escuchamos en Detrás del Sonido, por www.elrocanrosaurio.xyz
Sábados a partir de las 10:00 p.m.